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Bienvenido al Blog "SAXOFONCROMATICO". Este Blog es una ventana abierta al conocimiento, donde si te asomas una vez, no te arrepentirás de volver a hacerlo. En él, se pretende dar respuesta a la curiosidad de aquellos que quieren acrecentar sus conocimientos acerca del Saxofón de una manera fácil y práctica, pues como dijo Paul Bernard, "El conocimiento acrecienta nuestro poder en la misma proporción en que disminuye nuestro orgullo".!!ASOMATE YA!!.

En "SAXOFONCROMATICO". encontrarás lo que buscas.

Avr/02/2014 

Se ha escrito mucho sobre estos elementos, debido a la importancia que tienen en el comportamiento del saxofón, así como su influencia en el sonido, puesto que al igual que ocurre con la abrazadera, hay quien afirma que según la clase o tipo de zapatillas que lleve el instrumento, el sonido podrá ser más o menos brillante, más o menos suave, más o menos dulce, etc.. Teoría que por el momento está muy compartida entre los saxofonistas, pero que no goza de un acuerdo unánime.

Estos complementos conocidos como zapatillas o zapatas, como les llaman algunos, son propios de los instrumentos de viento-madera, saxofón, clarinete, etc. etc., y no de los instrumento de viento-metal.
El número de zapatillas que precisa cada saxofón es más o menos similar. En el caso del saxofón alto, es generalmente de 26, de las cuales 13 corresponden a llaves que permanecen cerradas y otras 13 a llaves que están abiertas. Es recomendable que cada instrumento lleve su juego de zapatillas originales.

Breve descripción de las mismas.-

Las zapatillas son, obviamente circulares y de diámetro muy diferente, que puede oscilar entre 1 y 10 centímetros, según el tipo de instrumento, y su grueso puede estar entre 5 y 7 milímetros, dependiendo igualmente del modelo de saxofón.
Son básicamente una especie de almohadilla tratada, cuya función principal consiste en sellar el paso del aire dentro del instrumento para conseguir así las distintas notas o sonidos. Están generalmente compuestas por cartón, fieltro, cuero u otros materiales de distinto origen y un componente conocido como resonador.

Origen de los principales materiales utilizados para la fabricación o elaboración de zapatillas.-

De origen animal.-

a).- De piel de vaca.- Estas están consideradas de buena calidad ya que repelen el agua y además, según algunos fabricantes y profesionales, producen un sonido más puro.
b).- De tripa de vaca.- Son de mayor suavidad como es lógico y se emplean en llaves de reducido tamaño como en clarinetes y flautas.
c).- De piel de cabra, oveja e incluso de canguro.- Las de cabra y oveja son similares entre sí y de buena calidad. Las de canguro son de una piel muy dura, pero a la vez ligeras y resistentes y desplazan muy bien el agua, características estas que prefieren los fabricantes y sobre todo los músicos profesionales.

De origen vegetal.-

Las más utilizadas son las de corcho, sobre todo en oboes y para orificios muy pequeños de los clarinetes y saxofones. Sin embargo, son muy propensas a degradarse por efecto de la humedad y del roce, lo que hace que en la actualidad algunos instrumentistas presenten reparos.

De origen sintético.-

Este tipo de zapatillas se han empezado a fabricar en la década de los 70, y como es natural son muy resistentes al agua, son silenciosas y producen buena resonancia en el saxofón. En su contra juega que son demasiado blandas y dejan residuos de desgaste, motivos por los que han sido muy poco utilizadas.
Las zapatillas Gore-Tex, son impermeables y se utilizan normalmente en el Clarinete Bufett, pero estas en concreto, según algunos clarinetistas, tienen el inconveniente de que se pegan a los oídos del instrumento y además son muy caras.

De origen metálico.-

Este tipo de zapatillas entre las que se encuentran las conocidas JS, no es que sean de metal exactamente, sino que lo que tienen es una capa muy fina de metal (oro o plata), en la superficie. Son muy suaves, silenciosas y no absorben la humedad lo que las convierte en zapatillas de larga duración.
Existen también unas zapatillas autoajustables en las que el fieltro es sustituido por acero inoxidable o titanio y la piel por goma, lo que permite una fácil adaptación al oído, como por ejemplo las Top Tone. Estas, tienen la ventaja además de que no se pegan y son también de larga duración, lo que hace que se estén instalando en todo tipo de saxofones.

El resonador y su influencia en el sonido.-

Como he dicho al principio del tema, en la composición de las zapatillas entra otro elemento conocido como resonador. Se trata de una pieza circular de aproximadamente medio milímetro de grosor que suele ser de metal, aluminio, latón, plástico o cualquier otro material. El resonador, va colocado por el exterior en el centro de la zapatilla para sujetar la piel o el material con la que está cubierta a los demás componentes de la misma por medio de un remache y que generalmente se coloca en aquellas de mayor tamaño.
Los resonadores pueden ser dorados, plateados, planos, abombados, estriados, convexos, con remache y sin remache.

La influencia que los resonadores puedan tener en el sonido es dudosa para algunos. Sin embargo, para otros es real y efectiva y basan esta afirmación en pruebas realizadas al efecto, hechas con un mismo saxofonista, igual saxofón, igual setup, lugar de actuación, temperatura ambiente y equipo de grabación, donde tras dichas pruebas, se constató que con resonadores de plástico similares a los de los saxofones Mark VI (cuando venían con resonadores de plástico), se obtuvo un sonido mucho más oscuro, pastoso y dulce, que con otro tipo de resonadores.
Por el contrario, con resonadores metálicos sometidos a la misma prueba, se obtuvo un sonido más brillante, que variaba dependiendo del metal y forma escogida para el resonador, destacando sobre todo los estriados, debido a las diferentes reflexiones de las ondas sonoras que producen las distintas superficies anguladas de los mismos.

Significar también, que los famosos resonadores Noyek aumentan la superficie de resonancia y por lo tanto generan un incremento del volumen de sonido. Casi el 100% de los saxofones de gama alta están equipados con estos resonadores metálicos.

En mi opinión, cuanto se acaba de decir respecto de unos y de otros, no prueba que sean mejores o peores los resonadores metálicos que los de plástico y que su influencia en el sonido sea tan decisiva como opinan algunos. Pero desde luego, si esta constatado por los distintos fabricantes, que los resonadores en general influyen de manera positiva en el sonido.

Por último y por su relación con el sonido, haré una breve referencia a la sordina para saxofón”. Se trata de un accesorio empleado por los saxofonistas en circunstancias excepcionales, y que modifica de una manera muy sustancial la intensidad sonora del sonido del saxofón.

Este accesorio fue utilizado por primera vez por Marcel Mulé,
Consistía en un anillo de madera forrado generalmente de terciopelo o felpa que se colocaba en la campana del saxofón y tenía una misión dulcificadora del sonido, a la vez que facilitaba la emisión de ciertas notas cuando se tocaba suavemente. Sin embargo, tenía el inconveniente de que no se podía emplear del Re grave hacia abajo ya que estas últimas notas se veían afectadas en su afinación y sonoridad, de ahí su poca utilización por entonces.

En la actualidad, las sordinas para saxofón están fabricadas en fieltro, esponja y otros materiales de tipo poroso, y así como en tiempos de Marcel Mulé consistía en un solo disco, ahora consta de dos, uno de ellos de menor diámetro para su mejor adaptación a la campana, separados de 5 a 7 ctm., y unidos entre sí por unos soportes metálicos. Es más existen pequeños cilindros (sordinas), de esta especie de esponja que se adaptan al interior del tudel incluso de la boquilla. Dichos accesorios reducen la sonoridad en casi el 50% y se emplean fundamentalmente para estudiar o tocar sin causar molestias a nadie.
Últimamente ha salido al mercado la sordina electrónica. Diríamos que es una especie de funda o estuche que envuelve todo el saxofón, con los orificios correspondientes para meter las manos. Reduce el sonido entre un 60 y 75 %. Pero, esta sordina tiene algunos inconvenientes ya que la emisión de notas graves resulta difícil y además es un producto bastante caro. Es decir, ocurre como con muchos productos en la vida, lo que va bien para una cosa va mal para otr..

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Admin · 941 vistas · Escribir un comentario

Mar/05/2014 


Antes de entrar propiamente en lo que es y cómo debe de ejecutarse el doble y triple picado, es interesante determinar primero en qué consiste o que entendemos musicalmente por Picar , y cuáles son los principales tipos que presenta este signo de articulación como es el Picado.

La palabra picar en el diccionario de la Lengua española tiene varias acepciones, pero ninguna se acomoda a lo que entendemos los músicos por picar. Desde mi punto de vista y coincidiendo con una mayoría muy significativa, puede decirse que picar consiste en dar golpes de lengua con la mayor o menor rapidez posible sobre la punta del conjunto boquilla-caña en los instrumento de la familia viento-madera.

Quiero resaltar que siempre he defendido la tesis, de que ningún sonido debe ser emitido sin el auxilio de la lengua. Eso sí, el golpe de esta debe de ser con delicadeza y decisión sobre la punta del conjunto caña-boquilla, rechazando, por tanto, la de aquellos que sostienen que la emisión del sonido debe ser sin golpe de lengua y empujando cada nota desde el diafragma. Opinión respetable, pero que no comparto por las razones que esgrimiré más adelante.

Principales tipos de picado que presenta esta forma de articulación y sus efectos sobre la duración de la nota:

- Picado simple. Es aquel en el que se le da a la nota todo el valor que representa, utilizando la sílaba tu.
- El staccato o picado destacado. Es aquel cuyas notas llevan un puntito encima o debajo (la duración de la nota es aproximadamente ½ de su valor).
- El picado subrayado. Es aquel cuyas notas llevan encima o debajo un rayita horizontal. Es como el picado simple pero se pican las notas con mas suavidad utilizando la sílaba du (la duración de las notas es todo su valor).
- El picado ligado. Es aquel cuyas notas están bajo una ligadura y llevan un puntito encima o debajo, se pican también con suavidad (la duración de las notas es aproximadamente ¾ de su valor).
- El picadísimo o staccatísimo. Es aquel cuyas mota lleva un punto alargado encima o debajo en forma de lágrima (!), y se utiliza la sílaba tut. (la duración de la nota debe ser ¼ de su valor).
- El picado sforzando. Es aquel cuyas notas llevan encima o debajo un angulito ( >) o bien (sfz). Se ataca con decisión y fuerza y se reduce de inmediato su intensidad (la duración de la nota es también ½ de su valor).


Hecha esta breve descripción sobre el picado, quiero destacar que no todos los profesionales tienen facilidad para picar a gran velocidad, o sea dar golpes de lengua con la rapidez deseada, por lo que deben recurrir a un medio que les permita lograrlo si quieren obtener la rapidez trepidante y asombrosa con la que algunos instrumentistas ejecutan el picado. Esta es una técnica que precisa de mucho estudio y práctica para conseguirlo, que consiste en lo que se conoce como el doble y triple picado.
Este tipo de picado se ejecuta por medio de la lengua y la garganta alternativamente. Es una técnica más propia de los instrumentos de boquilla (Trompetas, Trombones, etc.), que de los instrumentos de caña como el clarinete o el saxofón, pero dada la creciente utilización del saxofón en la orquesta sinfónica y en la música clásica, se hace imprescindible el dominio de este tipo de picado.

Pautas a seguir para su ejecución.-
Tanto en el caso del doble picado como en el del triple (del que luego hablare), es aconsejable iniciar su estudio al final del grado elemental donde la embocadura esta ya formada y la afinación se halla consolidada, empezando por ejecutarlo primero sobre notas fijas y en el registro medio del instrumento, para luego pasar al registro grave y posteriormente al agudo, que es el que mayor dificultad presenta. Conseguido esto, se pasará a ejecutarlo sobre las notas de las distintas escalas y arpegios.

En el caso del doble picado, la forma concreta de ejecutarlo es por medio de la lengua y la garganta, tratando de pronunciar las sílabas Ta-Ka. Ta-Ka.. O bien Tu-Ku. Tu-Ku…. Algunos teóricos, señalan, como fórmula más suave, tratar de pronunciar las sílabas Da-Ga. Da-Ga…
La dificultad más frecuente que se presenta a la hora de ejecutarlo, en los instrumentos de viento- madera como el saxofón, reside en igualar el Ka, el Ku y el Ga (según la fórmula utilizada), producidos con la garganta, con el Ta el Tu y el Da, producidos con la lengua, sobre todo en los registros grave y agudo que son los que presentan mayor dificultad.

Práctica del doble picado.-
Tomaremos un ejercicio de Dos compase de 4x4, de tal manera que en el primer tiempo del primer compas, habrá cuatro semicorcheas (Ta-Ka. Ta-Ka), en el segundo tiempo una negra, en el tercer tiempo cuatro semicorcheas (Ta-Ka.Ta-Ka) y en el cuarto tiempo una negra.
En el segundo compas tendremos cuatro semicorcheas en el primero, segundo y tercer tiempo (Ta-Ka. Ta-Ka), (Ta-Ka. Ta-Ka.), (Ta-Ka. Ta-Ka.) y una negra en el cuarto tiempo.
El ejercicio se iniciará con el metrónomo a 50 negras y se irá repitiendo y aumentando la velocidad progresivamente cuidando sobre todo de igualar la sílaba “Ka” al “Ta”. lo más posible si hemos elegido esta fórmula, hasta igualar la velocidad de picado a la velocidad digital si fuera posible.
Practica del Triple picado.-

En el caso del triple picado, la manera de ejecutar esta clase de picado es muy semejante a la anterior, solo que las sílabas siguen en el orden siguiente Ta-Ka-Ta. Ta-Ka-Ta, …. Aunque como siempre, otros dicen que debe alterarse el orden lingual y gutural anterior haciendo Ta-Ta-Ka. Ta-Ta-Ka,… lo cual en cierto modo resulta irrelevante. Hay incluso otras fórmulas, pero yo personalmente me inclino por la primera.
Así pues, tomaremos un ejercicio de dos compases de 4x4, en el primer compas y en cada uno de sus cuatro tiempos habrá una semicorchea y un tresillo de semicorcheas (Ta. Ta-Ka-Ta) y en el segundo compas, en el primer tiempo habrá una semicorchea y un tresillo de semicorcheas (Ta. Ta-Ka-Ta), en el segundo y tercer tiempo dos tresillos de semicorcheas en cada uno (Ta-Ka-Ta. Ta-Ka-Ta), (Ta-Ka-Ta. Ta-Ka-Ta) y por ultimo en el cuarto tiempo una negra.
El ejercicio se iniciará despacio repitiéndolo hasta alcanzar la mayor velocidad posible, igualando el picado de lengua con el de garganta lo máximo que se pueda en las diferentes versiones que se han apuntado. Es aconsejable ,como en el caso anterior, el uso del metrónomo.

Sé que la tarea es ardua y difícil, pero para no desanimarse escuchar de vez en cuando al trompetista Wynton Marsalis. Pero sobre todo, al saxofonista Miguel Villafruela en Hora Staccato de Grigoras Dinicu., o Yosuto Tanaka (Barítono ) en las Czardas de Montti entre otros, y veremos que el esfuerzo empleado para conseguir esta técnica del doble y trile picado habrá valido la pena. Saludos amigos. 

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Admin · 4690 vistas · 1 comentario

Feb./03/2014 

El Saxofón goza de una amplia variedad de alternativas en su digitación, que permiten al saxofonista lograr el mismo tono o la misma nota, utilizando posiciones alternativas y totalmente diferentes a las posiciones reales propiamente dichas. El conocimiento y empleo de ellas, es lo que ayudará al saxofonista a obtener una digitación suave y depurada que le permitirá llegar a tener mayores posibilidades de ser un virtuoso.

Partiendo de esa idea y tratándose de la digitación, es evidente que debemos tener en cuenta la buena colocación de los dedos, cosa que nos dará una mayor comodidad y velocidad de ejecución. Por ello, tratare de clarificar lo más sencillamente posible algunos aspectos sobre la manera de colocarlos, así como el movimiento de estos y el espacio que debe mediar entre la yema del dedo y el platillo o llave.

He observado a lo largo de mi experiencia como saxofonista las diferentes formas de tocar que tienen reconocidos saxofonistas, pero sobre todo los grandes virtuosos del saxofón como Ben Wester, Lester Yaung , Charlie Parker o por poner un ejemplo más de nustros días, el gran  Victor Goines ( saxo tenor, soprano y clarinetista), y veo que estos a penas separan las yemas de los dedos de los platillos y llaves del instrumento. Sin embargo, otros virtuosos del saxofón, separan los dedos de los platillos y llaves entre 4 y 7 centímetros, incluso más, como es el caso de Clude Delanglé, Paquito de Rivera o Miguel Villafruela, Coleman Hawkins, Gerry Mulligan y otros.

Charlie Parker, que es un mago de la digitación, mientras está ejecutando a penas si separa los dedos de las llaves como he dicho. Él trató de imitar en esta técnica a Ben Wester y sobre todo a Lester Yaung. Por el contrario, en el caso de Miguel Villafruela, compatriota de Paquito de Rivera no ocurre así, separa los dedos considerablemente más que los anteriores. Esto no significa en modo alguno que yo esté comparando el estilo de unos y otros, sino observando el diferente espacio que dejan unos y otros entre los dedos y las llaves.

Tal escuela o técnica de digitación, me lleva a pensar lo siguiente: Si físicamente para abrir y cerrar una llave, en el caso de Charlie Parker sus dedos recorren a una determinada velocidad la MINIMA distancia, porque están prácticamente pegados a los platillos tardará menos tiempo en abrir o cerrar dicha llave. Por consiguiente la velocidad de ejecución será más alta, mientras que a esa misma velocidad de maniobra, en el caso de Miguel Villafruela, los dedos han de recorrer un espacio al menos cuatro o seis veces mayor, dada su técnica de digitación, este empleará como es lógico más tiempo, lo que hará que la velocidad de ejecución sea menor. En conclusión, Miguel Villafruela deberá de esforzarse más para alcanzar la velocidad de Charlie Parker.

Ahora bien, como todo en la vida en el medio parece que está la virtud, y digo esto porque entre ambas formas de tocar o mejor dicho de colocar los dedos están aquellos que utilizan una posición intermedia, la cual yo comparto, como es el caso de los grandes saxofonistas clásicos Marcel Mulé y Daniel Deffayet entre otros. Ellos, son genuinos representantes de una técnica suave y depurada que les ha permitido además, lograr un sonido agradable y alcanzar velocidades de ejecución sin precedentes.

Llegados a este punto es indudable que deberá replantearse por parte de pedagogos y profesores que técnica es la más adecuada y aplicarla, si se quiere obtener el máximo provecho y rendimiento en el perfeccionamiento de la digitación.
En mi modesta opinión, queda claro que tanto a Charlie Parker como M. Mulé y Deffayet nadie les ha superado en velocidad de ejecución. Así que querido lector, partiendo de que el saxofón se ha incorporado recientemente a la orquesta sinfónica donde precisa de una digitación lo más depurada y perfecta posible, es Vd. el que debe sacar sus propias conclusiones respecto de la técnica más adecuada para conseguirla. Saludos.

Pulsa encima para añadirlo al artículo (40810.jpg)  http://www.clivis-music.com/novetats2010/saxofoncromatico.htm    

     


 

Admin · 335 vistas · Escribir un comentario

En/04/2014 

En la interpretación musical, el desarrollo de la respiración y su aplicación en los instrumentos de viento, necesita de un aprendizaje y práctica especial. En realidad, la respiración debe de adaptarse al trabajo que realice cada individuo. Por ejemplo la natación requiere un tipo de respiración, el levantamiento de pesas otra muy diferente y tocar un instrumento de viento otra totalmente distinta a las anteriores.

Aquellos que tocamos un instrumento de viento, necesitamos el aire como soporte de la música que interpretamos y para ello debemos estudiar el control de la respiración en todos sus conceptos, desarrollando al máximo todas sus posibilidades, pues la calidad y cantidad de nuestra respiración, influirá decisivamente en el nivel de nuestra técnica de ejecución.

Si miráis algunos de mis artículos, veris que básicamente y de forma simplificada ya hice una referencia a las clases de respiración, tanto en el tema “Edad para empezar a tocar un instrumento de viento”, como en el tema “La embocadura”, publicados en mi blog. Sin embargo hoy quiero centrarme exclusivamente en la Respiración Circular.

La respiración circular o continua.- Es una técnica ancestral conocida también como “respiración árabe” utilizada en los instrumentos de viento que consiste en almacenar aire en la boca y soplarlo mientras se inhala aire por la nariz para luego seguir exhalando aire de los pulmones sin que el sonido se corte. Es decir, que la respiración circular nos permite “respirar y tocar al mismo tiempo”. Sin embargo, en la música occidental es una técnica relativamente nueva y además todavía es poco conocida y está muy poco difundida. Por el contrario es muy antigua en el mundo árabe, India, Egipto, etc. etc.
Suele emplearse tanto en el Jazz como en la música docta o académica, sobre todo para interpretar obras que en su día fueron compuestas para instrumentos de cuerda y que sin esta técnica sería imposible interpretarlas con un instrumento de viento tal y como las ha escrito su autor.

Como en todo tipo de técnicas, existen sus defensores y sus detractores. Quienes están a favor señalan que es un recurso más para el intérprete sin el cual no le sería posible articular e interpretar obras escritas en su origen para instrumentos de cuerda, ya que al respirar se rompería el efecto legatto. Señalan además, que ya son muchos los músicos que ya la emplean en Europa especialmente. Como ejemplo de obra para interpretar con esta técnica tenemos el conocido “Moto Perpetuo” transcrito para trompeta de Rafael Menéndez de la obra original para violín de Paganini. Uno de los máximos representantes de la respiración circular fue Louis Armstrong.

Sin embargo, quienes están en contra dicen, con ciertas cautela, que esta técnica podría ser la causa del alto grado de mortalidad entre esta categoría de músicos, apoyándose en que el aire entra y sale del cuerpo de forma descompensada con el consiguiente riesgo que ello supone para la salud, a pesar de que se trata de una técnica muy poco usual. Larry Teal y otros, señalan que la respiración debe de hacerse por la boca solamente, basándose en que es una respiración más rápida y compensada, en la que se puede ingerir mayor cantidad de aire que si se hace por la nariz.

La respiración circular es una técnica muy difícil de dominar, porque además es difícil de explicar el modo de hacerla, pero ello no quiere decir que no sea posible adquirir un dominio aceptable, incluso espectacular en un relativo espacio de tiempo. Para ello, es preciso antes de practicar con el instrumento, intentar, reintentar y no desistir en la práctica de determinados ejercicios como los que se señalan a continuación, porque es ahí donde radica el secreto del éxito.

1º.- El conocido ejercicio del vaso de agua.- Consiste en llenar un vaso de agua por la mitad aproximadamente y luego con una pajita como la utilizada para los refrescos, tratar de hacer burbujas en el vaso continuamente, inhalando por la nariz al mismo tiempo que se sigue soplando con el aire almacenado en los carrillos, sin que las burbujas dejen de salir.

.- El ejercicio del buche de agua.- Consiste en llenar la boca de agua y luego mirando hacia arriba, ir soltándola con una pajita como si fuera una fuente, mientras haces la respiración por la nariz sin que se corte la fuente de agua (es aconsejable hacerlo en el lavabo).

Una vez conseguido esto y comprendida la técnica, es cuando se debe de empezar con el instrumento, haciendo notas tenidas o filadas con reguladores p-f-p, en los diferentes registros del instrumento sin que el sonido se corte al respirar por la nariz. La dificultad principal estriba en equiparar la presión que trae la columna de aire procedente de los pulmones, con la presión del aire contenido en la boca ejercida mediante el control de los músculos de los carrillos.

Desde luego que es esta una técnica difícil (como lo es el doble o triple picado), que requiere mucho esfuerzo y sacrificio, pero no imposible. La técnica y la mecánica son instrumentos necesarios e imprescindibles, cuyo aprendizaje es importantísimo en todo instrumentista, que no dependen de la poca o mucha formación musical y conocimientos del estilo que se tengan.

La lista de músicos que han conseguido vencer esta dificultades de las que hablo y que utilizan la respiración circular es larguísima, así que solo me limitaré a reseñar algunos de los más significativos: Kinny G. (saxofonista de Jazz), sostuvo una nota durante 45 minutos y 45 segundos. Vann Burchield, logró en el año 2000 sostener una nota durante 47 minutos y 6 segundos y el saxofonista Geovanny Escalante fue capaz de sostener una nota 90 minutos. Asimismo pueden citarse también como verdaderos especialistas en la respiración circular a Harry Carney.- (Clarinete). Saharon Bezoly.- (flauta). Merlon Devine.- (saxofón). Nancy Ambros.- (oboe). Rahsaan Rolñand Kirk (multiinstrumentista). Witon Marsalis.- (tompeta). Brad Panley.- (tompeta). Eugeni Rousseau. (saxofón clásico) Jonás Parzen.(saxo barítono). o Amy Dickson interpretando  Violin Concierto nº 1. con el soprano.

En mi opinión, creo que la respiración activa, es decir la realizada por la boca y en su modalidad de respiración completa, es la más recomendable para la ejecución musical de los instrumentos de viento, porque con ella entra en juego todo el aparato respiratorio, alcanzando los límites de su capacidad y además, representa el mayor aporte de aire posible para el intérprete. Pero como digo, es mi opinión, ya que cada uno puede optar por lo que crea más interesante. Ya me diréis algo amigos. Saludos.


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Dic/08/2013 

La palabra “EMBOCADURA”, significa parte de alguna cosa que entra en la boca. Cuando dicha palabra está relacionada con la ejecución de instrumentos musicales, podría entenderse además, como “abertura para adentro”. Pero la embocadura en el caso del saxofón es algo más complejo.

La embocadura, está configurada fundamentalmente por varios elementos físicos, incluso psíquicos, interrelacionados entre sí que junto con la boquilla-caña intervienen en la producción del sonido, como son: Los labios, los dientes, los músculos orbiculares de la cara, la lengua, la cavidad bucal, la garganta, la respiración, la situación emocional, etc. etc.

Hoy día pueden distinguirse dos stipos de   embocadura: la clásica y la moderna. En la primera, tanto el labio superior como el inferior  se hallan alineados  en  la misma perpendicular a la boqueilla  y en la embocadura moderna, el labio inferior  sobresale un poco hacia adelante en relacion con el labio superior. Con la primera según una corriente  de expertos se obtiene un sonido dulce y clásico y con la  segunda modadalidad un sonido mas brillante y moderno. Depende de los gustos.  

Dicho esto, tanto para la una como para la otra, el conjunto boquilla-caña, debe introducirse en la boca, aproximadamente algo más de la mitad de la parte biselada. Los dientes superiores reposaran suavemente sobre la boquilla arropados por el labio superior (a veces se pega en la parte superior de la misma un protector que sirve de almohadilla). Si se colocan los dientes superiores muy adelantados, es decir metiendo mucha boquilla, el sonido será muy potente y áspero, semejante al producido por la bocina de un coche en vez de suave y melifluo. El labio inferior, ha de tocar y envolver suavemente los dientes inferiores a modo de almohadilla, para que estos no toquen la caña y permitan que esta vibre con naturalidad y suavidad al paso de la columna de aire.

Debe tenerse siempre presente, que la embocadura debe ser relajada, acolchada y sostenida, lo que requiere en principio la práctica de ejercicios que contribuyan a ello, consistentes en abrir la boca como si quisiéramos tocar con la comisura de los labios las orejas y luego cerrarla con los labios hacia adelante como si fuéramos a silbar con el fin de ejercitar y fortalecer los músculos orbiculares para que en el momento de tocar, los labios produzcan un cierre totalmente hermético. Este ejercicio debe hacerse con ritmo regular y repetirse entre 30 o 40 veces seguidas y dos o tres veces al día consiguiendo así fortalecer la tonicidad muscular. La garganta debe mantenerse bien abierta con el fin aumentar la cámara interna de la boca para lograr una mayor resonancia, sobre todo para las notas graves,

En lo que a la respiración se refiere, podría decirse que hay fundamentalmente dos clases a los efectos que nos interesan: la respiración activa y la circulante. La activa es aquella que utiliza el saxofonista cuando le viene impuesta por las circunstancias del ejercicio que está tocando o las peculiaridades de la frase musical, mientras que la circulante es la que se realiza sin dejar de emitir sonido (es poco utilizada). Existe como es lógico la respiración pasiva, que no es otra que la que realizamos cuando caminamos o realizamos cualquier otra tarea de nuestra vida cotidiana, que no sea tocar. La respiración que nos interesa aquí, debe de hacerse por la boca (comisura de los labios), a pesar de que hay opiniones muy minoritarias en contra, que admiten la respiración por la nariz. Opinión que yo no comparto por varias razones (que sería largo de explicar), pero fundamentalmente porque este tipo de respiración, entre otras cosas, es menos intensa y rápida y además, fatiga al saxofonista.

Para comenzar a estudiar se precisa una boquilla clásica, si es posible Selmer de abertura media, pues las boquillas “super shot” precisan de una cierta experiencia para saber dominarlas. Por ello, es necesario elegir bien el conjunto boquilla-caña, conforme a las características físicas del estudiante o ejecutante, ya que no existe una embocadura estándar, pero sin embargo, hay una línea y unas pautas a seguir por los instrumentistas, tendentes a encontrar el equilibrio entre extremos que permiten lograr la mejor embocadura y calidad de sonido. Es preciso no olvidar que la embocadura básica permanece igual para todos los saxofones con las lógicas variaciones, claro está, dependientes del tamaño de la boquilla.

Para lograr una correcta embocadura es preciso tener en cuenta lo que se ha dicho y seguir los consejos del profesor, además de paciencia, constancia y auto supervisión, dada la compleja actividad de cada uno de los elementos que se han de poner en marcha para producir un buen sonido. Por último, no olvidemos, que el éxito de un saxofonista está basado sobre todo en una buena embocadura, y en el conocimiento de recursos técnicos.


http://i75.servimg.com/u/f75/13/64/21/58/th/40810.jpg  Profesor Juárez Bayón 

 

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