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Bienvenido al Blog "SAXOFONCROMATICO". Este Blog es una ventana abierta al conocimiento, donde si te asomas una vez, no te arrepentirás de volver a hacerlo. En él, se pretende dar respuesta a la curiosidad de aquellos que quieren acrecentar sus conocimientos acerca del Saxofón de una manera fácil y práctica, pues como dijo Paul Bernard, "El conocimiento acrecienta nuestro poder en la misma proporción en que disminuye nuestro orgullo".!!ASOMATE YA!!.

En "SAXOFONCROMATICO". encontrarás lo que buscas.

Oct/08/2013 


Sobre el vibrato se ha escrito mucho, pero podría definirse de una forma breve y muy sencilla: movimiento oscilatorio del sonido.
Es a uno de los adornos o medios de expresión del sonido utilizado desde muy antiguo por cantantes y de gran importancia en la técnica de la interpretación musical.
El vibrato en el caso del saxofón, fue incorporado por el francés Marcel Mulé a principios del siglo 20, siendo utilizado de una manera generalizada a partir de entonces por la mayoría de los saxofonistas.
Para comenzar a utilizar el vibrato se precisa que la embocadura y la afinación estén ya consolidados, por lo que conviene tener al menos el grado elemental superado para poder practicarlo con ciertas garantías, pues como dice Larry Teal, y no le falta razón: “No se puede pintar sobre una pared en ruinas”. Evidentemente así es, ha de tenerse al menos una base mínima para iniciarse en él.

Según un dicho generalizado, el vibrato sale de dentro de uno mismo, debe de ser sentido, es algo que a veces  “sale solo”, y prueba de ello es que en ocasiones, hemos oído cantar a personas que sin saber música ni haber recibido lecciones sobre el mismo, logran cantar con un vibrato natural, innato, sin que nadie se lo haya enseñado. Y lo que resulta más llamativo, es que ni siquiera saben si están cantando con vibrato, y cuando son preguntados por como lo hacen, la respuesta es sorprendente: contestan que no saben, que siempre han cantado así. Incluso se han dado casos de saxofonistas muy mediocres que tocan con un vibrato precioso sin haberlo estudiado nunca. Es decir, les sale de dentro como si de un capricho de la naturaleza se tratara, no hacen nada especial para conseguirlo. Pero ello no quiere decir, que quien no posea ese don no pueda realizar un elegante y hermoso vibrato mediante el estudio.

Clases de vibrato.-
Como he dicho al principio, se ha escrito mucho sobre el vibrato y sus técnicas para conseguirlo, porque no es tan fácil como parece. Algunos autores, en el caso de los instrumentos de viento, lo han clasificado o denominado según la manera de producirlo como vibrato de diafragma, de garganta, de mandíbula y de labio.

De estas cuatro formas o maneras de hacerlo, el vibrato de mandíbula es el más empleado en el saxofón, según la opinión de la mayoría ya que proporciona un mayor control de la amplitud de las ondulaciones sonoras y de la velocidad de las mismas. Sin embargo, el de diafragma parece ser el más utilizado entre los instrumentistas de viento-metal.
El de garganta, es el que se produce por la oscilación de dicho órgano y por último, el de labios que es el producido por el suave movimiento de los labios en combinación con la mandíbula. Es podríamos decir el vibrato de mandíbula propiamente dicho.
Al producir el vibrato, debe tenerse muy en cuenta que las ondulaciones sonoras, han de estar en consonancia con el contexto de la obra musical, con el fraseo y con el gusto del instrumentista, para dar al sonido belleza y alma a la interpretación. Normalmente, se utiliza en notas largas, terminaciones de frases y melodías lentas, En este último caso, las oscilaciones u ondas han de ser más amplias.

Recomendaciones para obtener el vibrato.-
En el vibrato de mandíbula, hay que presionar y aflojar mínimamente y de forma alternativa la embocadura (mandíbula), hasta notar la ondulación del sonido, sin perder la afinación, comenzando por las notas del registro medio y luego de forma cromática en toda la extensión del saxofón hacia arriba y hacia abajo, utilizando primero un matiz medio fuerte (mf), y posteriormente “p”- “f”- “p”. , similar a como se hacen las notas tenidas y filadas, repitiendo el ejercicio diariamente hasta conseguir el vibrato deseado. En el caso del vibrato de garganta, la ondulación del sonido se logra con pequeñas inflexiones en la columna de aires a través de la garganta, como si quisiéramos pronunciar la sílaba Go..Go..Go.

Ejercicios para la práctica de su estudio.-
Teniendo en cuenta las pautas indicadas anteriormente, creo necesario poner un ejemplo de cómo debe iniciarse su estudio. Para ello, debe ponerse el metrónomo a 40 negras/mit, en compas de 4x4, luego hacer en el primer compas 2 ondulaciones por negra, en el segundo compas 3 ondulaciones por negra y en el tercer compas 4 ondulaciones por negra, repitiendo este ejercicio de tres compases cuantas veces sea necesario y sin desanimarse hasta que salga bien. Si se ha logrado esto, poner el metrónomo a 50 negras siguiendo los pasos anteriores y así sucesivamente.
Es de significar que la velocidad adecuada del vibrato debe de oscilar entre las 250 y 300 ondulaciones por minuto, dependiendo como he dicho del tipo de música, del gusto del intérprete y de si se actúa como solista o en grupo.

En la música clásica es recomendable que el vibrato sea suave y sutil, no así para la música de Jazz donde es más amplio, abrasivo y diferente en cada uno de los intérpretes, como ocurre con Gato Barbieri, o Ben Webster.

Queridos lectores y estudiosos del saxofón, espero que en este tema hayáis encontrado las pautas para iniciaros en el vibrato o para perfeccionarlo. ¡Ah!... para ello escuchar mucho a Marcel Mulé , que en el próximo tema me ocuparé de un asunto no menos interesante.


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Admin · 782 vistas · Escribir un comentario

Sep/18/2013 


La boquilla, es uno de los complementos del saxofón más importantes, aunque en realidad, debería decirse que es una de las partes del saxofón más importantes y no un complemento. Fijaros si es importante, que el legendario saxofonista Ben Wester decía que, un saxofonista puede viajar sin saxofón pero nunca sin su boquilla. Dicho esto, y teniendo en cuenta que la boquilla junto con la caña y la abrazadera son componentes principales que intervienen en la producción del sonido en el saxofón, nos interesa conocer algunos aspectos interesantes respeto del material del que está fabricada una boquilla, así como las características de la misma.

Entre los materiales más empleados en la fabricación de boquillas se encuentran principalmente, la ebonita, baquelita, resina, caucho, metal, hueso, porcelana, madera, cristal, etc.
En lo referente a la estructura, forma y configuración física de las boquillas, con independencia del material en que estén fabricadas, pueden distinguirse tres grupos:

Primero: Las de cámara cóncava, de cámara circular, y otras.- Adolphe Sax, las diseñó con cámara cóncava y son generalmente, las más utilizadas por los saxofonistas clásicos. Las de cámara circular como su propio nombre indica son aquellas cuya sección es circular en vez de cuadrada. La cámara es una característica de la boquilla importante, pues es la zona que se encarga de amplificar las vibraciones ocasionadas por el aire y de transmitir las ondulaciones del aire al saxofón.

Segundo: Las de techo alto o bajo con relación a la caña.- Las de techo alto y cámara grande potencian el sonido sin ser este excesivamente brillante. Por el contrario, cuanto más cercano este el techo de la boquilla a la caña, mas rápido será el flujo de aire y el sonido será más brillante. Estas son las preferidas por los saxofonistas de Jazz.

Tercero: Las boquillas de menor o mayor abertura entre la caña y la punta de la boquilla.-
Existen como es lógico diferentes aberturas dependiendo de los modelos y marcas, pero podríamos decir que oscilan entre las 70 y 130 milésimas de pulgada. Mi opinión sobre la abertura más adecuada , salvo excepciones, esta entre 90-110 milésimas de pulgada. Los saxofonistas clásicos utilizan generalmente, boquillas de poca abertura con cámara alta, lo que produce un sonido más aterciopelado y melifluo, es decir más clásico, similar al producido por las boquillas de madera.
Este tipo de boquillas ( las de madera), están fabricadas con un tipo de madera especial procedente generalmente de África, como puede ser el cocobolo y la granadilla. Esta última, es la más utilizada también en la fabricación de clarinetes, por su textura y color negro. Algunos saxofonistas han llegado a decir que este tipo de boquillas, permiten un control dinámico y amplio del sonido, y que desde que las han probado nunca más han vuelto a las boquillas convencionales. Cuestión de gustos

Influencia en el sonido del material empleado en su fabricación.- En opinión de algunos expertos, con materiales diferentes se pueden obtener sonidos diferentes. Por ello, según esta teoría las de metal son las que producen un tipo de sonido más brillante, más metálico. Por el contrario, las de baquelita, madera, etc., por citar algún ejemplo, producen un sonido más aterciopelado y redondo, más clásico podríamos decir, lo que lleva a los que así piensan a afirmar que los diferentes materiales empleados en su fabricación, influyen sobremanera en el sonido producido.

Sin embargo, en sentido opuesto, hay quienes opinan que el material empleado, tiene poca o nula importancia en el sonido y que por el contrario, son la forma y dimensiones físicas de la boquilla, las que determinan que suene distinto, diferente, mejor o peor que otra, etc. Como puede observarse, la opinión está dividida y la polémica servida. No obstante todo ello, y a pesar de que la apreciación del sonido por cada saxofonista, y el gusto por uno u otro es una cuestión muy subjetiva y difícil de medir, cabe decir - y yo así lo creo - que son estas cosas bien combinadas (material y configuración), más la caña adecuada, las que determinan que una boquilla produzca un determinado sonido.

Combinar estos elementos, lo más acertadamente posible para conseguir el mejor sonido ha sido y es, el objetivo principal de los fabricantes de boquillas. Sin embargo esto no quiere decir que los saxofonistas que utilizan el mismo tipo de boquilla hayan de tener la misma calidad de sonido, porque eso no sería correcto ya que el factor humano, calidad del instrumento y la formación recibida juegan un papel diferenciador a la hora de producir finalmente el sonido.
Por consiguiente es muy arriesgado hacer afirmaciones categóricas en un sentido o en otro, sin tener en cuenta todos los aspectos mencionados así como otros de carácter psíquico, etc., que intervienen como digo, en la producción del sonido.
Otros aspectos a tener en cuenta a la hora de elegir una boquilla.- Debemos tener en consideración la zona plana donde se apoya la caña, los carriles laterales, el carril de la punta (que hace que la boquilla no se ahogue al oprimir la caña con los labios), y la cámara como ya se ha dicho anteriormente. Pero sobre todo, se debe tener muy en cuenta LA CURVATURA DE INCIDENCIA. Es decir, la abertura que hay entre la caña y la boquilla de la que ya he hablado más arriba. De ella, depende la mayor o menor brillantez del sonido, pues a mayor abertura mayor brillo pero menor rigidez de caña y biceversa, a menor abertura menor brillo y mayor rigidez de caña.

Como complemento de lo dicho en este tema, os adjunto una relación de las marcas de boquilla para saxofón más conocidas, cuyos precios oscilan entre los 20 y los 400 euros dependiendo de la marca y modelo:

SELMER. En sus diferentes series y modelos C, D, E, H, etc. (Buena calidad y precio medio).YAMAHA (Diferente modelos). BERG LARSEN (Metálicas). VANDOREN (A-15, A-17, etc).LAWTON (Para sax tenor). USA MEYER, YANAGISAWA, BEECHLER, DUKOFF GUARDALA, CLUDE LOKEY, JODY JAZZ, BECHEER RIFFAULT, BELLIT STANDAR ZINNER 105 PAMARICO (De cristal y ebonita), ROUSEAU (Metal), OTTO LINK (Ebonita y metal), THEO WANNE GAIA Alto 7 (Cara pero buena), RS Berkely C. Parker (Muy cara), GOTTSU Alto Sepia Tone 7, ESM (Color azul transparente), SAXZ NYC, WARBURTON, AIZEN NY, etc, etc, etc.

Las Otto Link, Meyer 6 y Berg Larsen, son muy utilizadas por los músicos de Jazz, mietras que para los saxofonistas clásicos son preferidas las Selmer C*, C**. No obstantante, tambien estan los que prefieren una boquilla para los dos estilos y utilizan la Selmer (D).
Si has conseguido ya tu "Setup", estas en condiciones de practicar los ejercicios de digitación y técnicas posicionales recogidas en el Método "SAXOFONCROMATICO"

Espero vuestros comentarios y no dejéis de visitar este enlace. Saludos


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"Profesor de saxofón Antonio Juárez Bayón).
http
://www.clivis-music.com/novetats2010/saxofoncromatico.htm

www.clivis.cat

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Admin · 3156 vistas · Escribir un comentario

Jul/08/2013 

“La música habla un lenguaje que entiende todo el mundo”. Pero… ¿Que es Improvisar música? La palabra improvisación deriva del latín “improvisus” que significa imprevisto. Así que improvisar, en general, es realizar algo sin haberlo preparado con anterioridad.

En el campo de la música la improvisación, podríamos definirla como, el arte de crear y ejecutar música de manera espontanea y en tiempo real. Es por tanto, un recurso que permite al ejecutante desarrollar la capacidad creativa e interpretativa sin previa preparación, para la que hay que reunir, según reconocidos especialistas, determinados cualidades como son: la originalidad, fluidez de expresión y de pensamiento, inteligencia alta, imaginación, creatividad y memoria.

La mayoría de la gente piensa que la improvisación es una de las formas de interpretar música de Jazz solamente, dando la sensación de que la improvisación nace o aparece con la música de Jazz. Pero esto no es así, y digo que no es así, porque la improvisación se inicia y practica mucho antes y con gran éxito en la música culta, docta o clásica , por grandes compositores e intérpretes como Bach, Haendel, Mozart, Beethoven , Frecoboldi, Buxetehude, etc., en la época barroca , entre 1600 y 1750 . También se practica con frecuencia en la interpretación de las cadenzas, que aunque estén escritas, el solista improvisa y las ejecuta a su gusto y a su manera. Ejemplos de ello pueden ser Mozart, Liszt o el pianista Robert Levin, etc. etc. No obstante, hay que decir que hoy día la improvisación en la música clásica no es muy practicada.

Por consiguiente hay que resaltar que nace y se practica mucho antes en la música culta que en el Jazz. Sencillamente, porque allá por el 1600, ni siquiera existía el Jazz, ya que este empieza a surgir a finales del siglo XIX, en los EE.UU, por la fusión de la música africana y la europea, a raíz de la llegada de esclavos africanos a ese país, donde se fue expandiendo de tal manera, que incluso se llegó a decir de este tipo de música que… “el Jazz es improvisación la Improvisación es Jazz ”. De ahí que exista aun cierta creencia (errónea), de que la improvisación nació con el Jazz. Dicho esto, surge la siguiente pregunta:

¿Se puede entonces aprender a improvisar?-
Como veremos más adelante, la pregunta no tiene una respuesta fácil en sentido afirmativo o negativo. No obstante, con el fin de que cada uno pueda inclinarse por una respuesta positiva o negativa a la pregunta, sería conveniente clasificar a los profesionales de la música que ejecutan instrumentos, en dos grandes grupos: Uno, aquel donde los futuros improvisadores se apoyan para aprender a improvisar en amplios conocimientos teóricos, armónicos y técnicos y otro, donde los futuros improvisadores se apoyan, fundamentalmente, en las condiciones innatas, de que están dotados por la naturaleza para el arte de la música.

En el primer caso, según tiene dicho el violinista japonés Dr. Suzuki 1898-1998), la música no es un don innato, sino que puede aprenderse y desarrollarse. Por tanto sobre la base de esta teoría podríamos decir que la improvisación musical puede aprenderse y desarrollarse de igual modo que podemos aprender un segundo idioma tras haber aprendido palabras, frases, verbos, estructuras gramaticales y un poco de práctica. De ser así, no se ven obstáculos para que los músicos aprendiendo también escalas, arpegios, patrones de notas y frases musicales, puedan después combinarlos y luego expresar una idea musical. Eso sí, con la condición de que esa idea musical ha de ser aceptable. Es decir, que tenga coherencia y relación con la estructura general del tema. Así pues, según esta tesis la improvisación puede aprenderse.

En sentido contrario y con otra visión diferente, están todos aquellos pensadores y estudiosos, del comportamiento de la naturaleza humana, que basándose en que la música es una facultad innata en el ser humano, defienden que hay quien incluso ha aprendido a improvisar en muy corto espacio de tiempo apoyándose en ese don o facultad con el que ha nacido. Pongamos un ejemplo: Tú puedes decir “La primavera es alegre”, sin pensar como lo has de decir, o el verbo que has de utilizar, lo dices y ya está porque lo has oído. Por tanto, lo que hay que aprender a decir es la frase. Eso sí y como en el caso anterior, dicha frase ha de estar dentro del contexto de la conversación. Pues bien, lo mismo en la improvisación musical, no es necesario en absoluto pensar en términos de escalas, arpegios y acordes, sino que basándose en el oído y en la intuición se crean y combinan melodías y ritmos hasta dar origen a frases musicales completas de gran gusto originalidad.

Es más, los grandes de la improvisación, aprendieron a improvisar de oído escuchando e imitando frases y solos una y otra vez, hasta gravarlos en su mente para luego repetirlos. ¿Pero es esto realmente improvisación?.. Según el saxofonista George Garzone, parece que no, puesto que según él, “la magia de la improvisación consiste en no repetir ideas y ser lo más melódico posible”. Efectivamente: improvisar, es realizar algo sin haberlo preparado con anterioridad como dije al principio .Por eso, la respuesta no es tan sencilla como parece.

Aspectos teorico-practicos.-
Dentro de la improvisación, podemos distinguir técnicamente dos grandes formas: la improvisación reglada y la improvisación libre.

La improvisación reglada.- Este tipo de improvisación, a la que pertenecerían los músicos del primer grupo, está sujeta a normas fijas y rígidas, progresión de acordes y escalas que se corresponden con las leyes de la tonalidad, utilizando para su práctica diferentes recursos, tales como los modos griegos y las escalas de 5 sonidos, conocidas como las pentatónicas mayores y menores, muy típicas en la música occidental (Do, Re, Mi, Sol, La) y (La, Do, Re, Mi, Sol) respectivamente. Este tipo de escalas carecen de grados o distancias de semitono y no hay que tener en cuenta la tónica, la nota dominante o la nota sensible. De ellas, se derivan las pentatónicas blues, cuya melodía da sensación de desafinación. Pero en todo caso, se trata de una desafinación controlada muy interesante. Otro tipo de escala muy utilizada también en la improvisación ha sido y es la escala menor melódica.

La improvisación libre.- Este tipo de improvisación, a la que pertenecen los músicos del segundo grupo, tiene más que ver con las condiciones innatas del músico, donde la memoria y sobre todo el oído juegan un papel importantísimo. Pues es el oído, el que determina la dirección particular que ha de seguir el improvisador y la calidad de la improvisación. Por tanto, es aquella en la que el músico traslada intuitivamente al instrumento la melodía y la armonía que siente en su interior en tiempo real sobre una base, aparentemente sencilla, de que… “improvisar es hablar música”.

Importancia de los elementos técnicos.-
En cuanto a los elementos técnicos que intervienen en la improvisación, es importantes tenerlos dominados. Cuanto más ricos y variados sean los recursos del improvisador más interesantes serán sus improvisaciones, ya que todo lo que requiera de una atención a la técnica de la digitación y demás, nos quitará la posibilidad de dedicarnos por completo a la concentración sobre la creatividad en el momento de la improvisación. Por consiguiente, además de tener un buen instrumento y dominar la técnica de la digitación, debemos, conocer todas las escalas, arpegios y algo de armonía.
En mi modesta opinión, estimo que el éxito está en combinar si es posible, ambas formas de improvisación a las que he aludido antes, puesto que son complementarias. Esa complementariedad, es lo que hace el tándem perfecto para llegar a ser un virtuoso de la improvisación.

Como se desarrolla la improvisación en grupo.-
La improvisación en sí misma, es como una especie de habilidad para contar una historia, donde no importa solo lo que se dice, sino también como se dice, donde el improvisador es alguien que utilizando algo inexistente lo vierte y lo transforma convirtiéndolo en algo suyo, lo que implica al mismo tiempo, una cierta responsabilidad para abordar el tema con éxito. Esto nos recuerda al musicólogo estadounidense Robert Levin (1947), cuando dice: ( y no le falta razón). “el músico en la improvisación corre un gran riesgo, es como caminar por la cuerda floja sobre el precipicio y llegar al otro lado”.

Esta especie de magia que es la improvisación, cuando se desarrolla en grupo exige conocer también, la técnica adecuada para desenvolverse con soltura dentro del mismo, por lo que el improvisador debe conocer, principalmente, el lenguaje del Jazz y sus distintos dialectos (swing, bebop, hard hop, etc. etc.), la forma de frasear, la cantidad de compases de que dispone cada solista, turno de intervenciones (pactado con anterioridad), la armonía original y la estructura del tema, etc..

Estructura del tema.-
En el tema en general suelen distinguirse cinco partes principales:
Introducción: En esta parte se fija el carácter de la obra.
Tema: Parte donde se encuentra la melodía.
Vueltas: Aquí los músicos desarrollan el turno de solos.
Vuelta a tema: Se vuelve a ejecutar la melodía.
Coda: Parte donde se da por concluida la interpretación de los músicos.

Como hemos visto, los criterios, teorías normas, y reglas que hoy día existen a cerca del conocimiento y práctica de la improvisación, abarca aspectos no solo musicológicos y psicofísicos, sino de toda índole, al tratarse de un arte íntimamente ligado con la creatividad y espontaneidad de los sentimientos del músico, donde como digo, las facultades innatas y el oído, juegan un papel importantísimo en el aprendizaje de la improvisación.

Para finalizar este interesante tema, significar como datos interesantes, que los “solos improvisados” en la música de Jazz, comenzaron a partir de 1920, con la aparición del swing y la incorporación del saxofón en las grandes orquestas, y que aunque hay una corriente que opina que en los últimos 20 años el Jazz ha ido a menos, otros sin embargo indican que goza de excelente salud y que incluso ha desplazado al rock y al pop.

Así las cosas, creo que el tema de la improvisación no ha sido tratado por los, musicólogos, profesores, estudiosos, pedagogos y profesionales de la música, con la dedicación y esmero que merece tal especialidad, lo que me lleva a pensar que el futuro del Jazz es impredecible. No obstante, es motivo de alegría el hecho de que hoy día en la enseñanza musical superior, la improvisación sea una asignatura obligatoria, me parece una noticia extraordinariamente importante. Saludos.
De todas las formas y para terminar, deciros que aquí he tratado de aportar un poco de luz sobre el tema de la improvisación con el fin de que sea más fácil saber el porqué de la misma y llegar a comprenderla mejor. No obstante, cada uno sacará sus propia conclusiones como es lógico, pero si le gusta la improvisación, que sepa que necesita formación constancia y perseverancia en el estudio de la misma y sobre todo, escuchar mucho a los grandes de la improvisación tratando de imitarlos. Espero vuestros comentarios. Saludos.



Pulsa encima para añadirlo al artículo (portad10.jpg)       http://i75.servimg.com/u/f75/13/64/21/58/th/40010.jpg Antonio Juárez Bayón.- Profesor de Saxofón.

Admin · 470 vistas · Escribir un comentario

Jun/05/2013 

A lo largo de la historia, la música ha tenido mucha importancia y ha influido sobremanera en la cultura de los pueblos de forma muy positiva, pues ya en tiempos de Confucio 500 años a. de C., este dijo:"La fuerza moral es la columna vertebral de la cultura humana y la música es la flor de esa fuerza moral". Durante muchos años, la comunidad científica ha investigado los efectos benéficos de la música, señalando que tiene la capacidad de influir en el ser humano en todos los niveles: epiritual, intelectual,  filosófico, social,  psicológico y biológico. De igual manera, el Dr. Richard Frackwiak del Instituto de Neurología de Londres, ha destacado tambien,  que la música juega un papel importantísimo en las conexiones neuronales del individuo.

Cada día aumenta el número de profesionales que se dedican a la música en sus diferentes facetas, ya sea como compositores, profesores en los diversos stipos de instrumentos, o simplemente aficionados, debido entre otras cosas  al esfuerzo que los amantes de este arte están haciendo para propiciar su difusión y enseñanza a travé de los Conservatorios, Escuelas de Música y otros centros relacionados con esta especialidad, conscientes todos ellos de la trascendental importancia que tiene la música en la formación integral de los seres humanos.

Sin embargo, hay que decir que no todo es de color de rosa. Y digo esto, porque como en cualquier otra profesión, los músicos  profesionales que ejecutan instrumentos, padecen lesiones y enfermedades relacionadas con el ejercicio de su actividad musical. De ahí, que recientemente haya surgido la llamada "medicina musical". Esta especialidad, es desarrollada  entre otros,  por el Dr. Tomás Martí  (Valladolid), pero principalmente por el Instituto de Fisiología y Medicina del Arte de Barcelona, cuyos precedentes se hallan, nada menos que en el médico D. Bernardino Ramazzini (1633-1714, fundador de la medicina del trabajo.

Dicho esto, es preciso significar que no debemos confundir la educación y práctica musical con la musicología, pues si bien la primera como su propio nombre indica, es la adquisición de conocimientos musicales, el adiestramaiento y práctica en los diferentes instrumentos musicales, la segunda, es una disciplina de Salud, dirigida a satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas a trtavés de audiciones musicales concretas, para mejorar el rendimiento cognitivo,según tiene dicho el neurólogo Teppo Sarkomo de la Universidad de Helsinki.

Según una corriente científica cualificada,  los beneficios de una formación o educación musical, permanecen en el tiempo aunque se haya dejado de tocar el instrumento. Así pues, segun un estudio de Brenda Hoonna-Plaaddy, el realizar una actividad  musical durante mucho tiempo o durante toda la vida, es un ejercicio cognoscitivo estimulante, que ayuda a que el cerebro se enfrente mejor a los problelmas que se presentan cada día y a enfrentarse mejor al envejecimiento.

Beneficios que aporta el estudiar un instrumento de viento.-

1.- Una investigación reciente asegura que tocar un instrumento de viento aumenta la capacidad pulmonar y la práctica musical en general, se asocia a la plasticidad estructural y funcional del cerebro; el cuerpo bombea más sangre y oxigena el sistema nervioso mejorando con ello los órganos.
2- Con su prática, el músico aprende a organizarse mejor en la vidda y a ser perseverante. Además, mejora las habilidades dentro del grupo y ayuda a cooperar con los demás.
3.- Desarrolla la capacidad matemática y aumenta la responsabilidad.
4.- Agudiza la concentración, yuda a mantener el ritmo y desarrolla el sentido de la duracion de las notas en ralacion con el tiempo.
5.- Enseña disciplina, fortalece la paciencia y reduce el miedo a presentarse en público.
6.- Es una forma de hacer amigos, mejora la tartamudez y el estrés. Respecto del estrés, hay que decir que no siempre es así, pues  en el caso de los solistas, no solo no lo mejora sino que lo produce, debido a la tensión que crea la responsabilidad que conlleva  para el solista la ejecución  en determinadas obras ante el público.
7.- Además es beneficiosa para el tratamiento de ciertas enfermedades como el asma (Algunos expertos en esta enfermedad opinan lo contrario), Sin embargo, según una noticia aparecida recientemente en la prensa, Ryan Harrisón, un  niño  inglés de 9 años que padecía esta enfermedad, tocando un instrumento de   viento la superó en muy poco tiempo. Asimismo, Elise Hall, de la que ya he hablado mas veces, superó el problema de oído tras ser aconsejada por su médico que estudiara un instrumento de viento (Saxofón).
Vistos pues  todos estos beneficios , no le falta razón al prestigioso tenor Placido Domingo, cuando dice que la educación musical debería ser obligaroria en todos los colegios.

Pero queridos amigos, esta es la cara buena de la moneda. La otra,  hace referencia  a los inconvenientes  que a veces tienen que afrontar los músicos, y es que al igual que ocurre en otras profesiones, los músicos padecen  lesiones y enfermedades relacionadas  con el ejercicio de la profesión, pero no por ello debemos inferir que la práctica de instrumentos musicales,  significa necesariamente tener que padecer una enfermedad, pues a nadie se le ocurriría  decir que la práctica del deporte en general,  es perjudicial para la salud,  o que no es aconsejable por si se sufre  una lesión. De ahí que la practica del deporte o de un instrumento musical sea aconsejable por sus beneficios, pero eso sí, debe hacerse siempre de forma regular, con buena técnica y bajo la dirección de un profesional. Ello evitara, en un porcentaje muy alto  el padecimiento  de lesiones o de enfermedades en el futuro.

Lesiones y riesgos que pueden sufrir los músicos, derivadas  de su actividad profesional.-

Además de los riesgos específicos de cada instrumento, hay otros comunes a todos los músicos derivados del ejercicio de su profesión, tales como la ansiedad, calambres, temblores, nauseas, dolor de cabeza, estrés, pérdida de audición, etc. En cuanto a la perdida de audición, no olvidemos que las orquestas, por poner un ejemplo, superan a veces los 130 decibelios, siendo el umbral soportable los 140 dB.

La "Distonia focal". Es uno de los padecimientos  más temidos por los músicos; En el caso de pianistas, violinistas y guitarristas, los dedos no responden como se quiere y sufren una especie de calambres. En los instrumentos de viento,  este padecimiento se manifiesta en los músculos de la boca (calambres). Pueden aparecer también problemas temporamandibulares, dolores cervicales, herpes de labios, traumas en los tejidos blandos, problemas ortodónticos, sequedad de boca y flojedad en los labios, etc.

Respecto de la flojedad o cansancio de los labios, aprovecho para  hacer nención  a un aparato recientemente descubierto en España llamado"Tedel 4". Con él se pueden medir con mucha precisión los sobreesfuerzos labiales, lo que permite precisar el diagnosticlo y aplicar el tratamiento adecuado a cada caso. Indudablente es interesante, pero yo soy de la opinión de que más vale prevenir que curar, para que nunca te tengan que decir:"Dime que instrumento tocas y te diré de que padeces".  Y es que  conviene recordar, que muchas de las enfermedades  que sufren los músicos se deben a los malos hábitos adquiridos en la época de estudiantes, pues sirva de ejemplo saber que para conseguir 20 ó 30 notas se precisan de 400 a 600 actos motores y una serie de tareas incuantificable en diferentes áreas  del cerebro, lo que exige un sobreesfuerzo en todos los sentidos muy considerable. Por consiguiente la enseñanza y la técnica de aprendizaje de un instrumento musical, debe ser metódica y depurada, y sobre todo muy vigilada por el profesor. 

Amigos, !Ánimo!, todos estos males que acechan a los músicos, no pueden empañar el interés que para el ser humano represnta la música, por lo que podemos afirmar con rotundidad que: "Los BENEFICIOS de tocar un instrumento  musical (como puede ser el saxofón), superan con mucho a los perjuicios que de tal aprendizaje puedan derivarse". Saludos.



      Pulsa encima para añadirlo al artículo (portad10.jpg)"SAXOFONCROMATICO" (Método de saxofón del profesor Antonio Juárez Bayón).
http
://www.clivis-music.com/novetats2010/saxofoncromatico.htm


Admin · 5175 vistas · 1 comentario
Categorías: Primera categoria

Avr/29/2013 

Hemos oído muchas veces que la técnica para tocar el saxofón es muy subjetiva y que además está supeditada al estilo de música que se desea interpretar; clásica,  de Jazz, Rock, Pop, etc. etc.

El saxofón además es un instrumento de gran versatilidad, lo que permite al intérprete utilizar junto con lasposiciones reales o convencionales,  otro tipo de posiciones alternativas o tranquillas  que ayudan a la consecución de sonidos o efectos sonoros especiales.


Cuando hablo  de efectos sonoros especiales, me estoy refiriendo a todos aquellos que no forman parte de la acentuación  y matices propiamente dichos de uso común y ordinario. Es decir, este tipo de efectos sonoros son el resultado de varios factores, pero sobretodo,  son la resultante de la aplicación  de determinadas técnicas posicionales y especialmente de la embocadura, con lo que los saxofonistas consiguen obtener efectos espectaculares,  tales como los que simulan  los  ronquidos, gruñidos, risas, carcajadas efectos de percusión, etc.etc.

El efecto sonoro en sí mismo, se produce  por la fusión  de ondas sonoras diferentes: las que generan las cuerdas vocales al entrar estas en acción y  las generadas por la vibración producida  por la columna de aire a su paso por la boquilla.

¿Es necesario conocer y practicar este tipo de efectos sonoros?.-  Indudablemente la pregunta no se puede responder con un SI o con un NO. Pues es evidente, que depende del estilo de música  que se quiera practicar. Para los saxofonistas  de Jazz, Rock, Pop, etc.,etc., es indudable que es importante conocer estos efectos y practicarlos, pues ahí tenemos los ejemplos de Gato Barbieri, Ben Wester y otros. Sin embargo, para un saxofonista clásico intérprete de música docta no es  tan importante, pues   será rara la vez que tenga que utilizar alguno de estos efectos sonoros a los que me estoy refiriendo, a no ser por exigencias de la obra. Por ello, en mi  opinión tengo que decir que,  tanto un saxofonista de Jazz como un saxofonista  clásico deben conocer y saber hacer  estos efectos, pues forman parte del aprendizaje del saxofón.   Otra cosa distinta  es que los practiquen.

¿Cuando deben empezar a estudiarse?.-   La experiencia y el sentido común, nos indican que al tratarse de efectos sonoros especiales, no convencionales, es aconsejable empezar una vez que la embocadura este bien consolidada, o al terminar los estudios  de grado medio. Es aconsejable comenzar primero con la boquilla y el tudel solamente.

EFECTOS SONOROS ESPECIALES.-

La clase o número de  efectos  posibles que se pueden conseguir, podría decirse que es ilimitado, dadas las posibilidades que ofrece el saxofón para ello. No obstante, a continuación  me referiré a los más utilizados por los saxofonistas:

GROWLING.- Es el efecto conocido como gruñido. Se consigue cantando o tatareando una nota en la parte posterior de la garganta (grrrrrr), al mismo tiempo que se toca  en el registro medio generalmente. Una vez conseguido el efecto deseado, debe practicarse en los demás registros. (Gato Barbieri, Earl Bostic, King Curtis o Ben Wester lo practican).

BLENDING.- Es un efecto que consiste  en producir una especie de desafinación controlada o caida del sonido. Es decir se ataca la nota y se floja la embocadura velozmente haciendo caer la afinación, volviendo a  recuperar  la  presión normal repentinamente. (Ben Wester).

SMEART (RISA).- Es el efecto de risas o carcajadas imitando al ser humano. Resulta fácil si se domina el Blending . Se consigue haciendo un vibrato muy exagerado (Wa, Wa, Wa),  a la vez que se hace un descenso cromático que simula la risa.

SLAP TANGUING.- Es un efecto que simula la percusión. Se consigue colocando la lengua paralela a la caña obstruyendo la abertura, se sopla con fuerza a la vez que se retira la lengua (Tac, Tac), lo que produce un vacio entre la caña y la boquilla que simula el pizzicato de los instrumentos de cuerda.

FRULLATO.- Este efecto simula al trémolo. Se produce con un movimiento rápido de la punta de la lengua sobre la punta de la boquilla (drrrrr). Es preciso  introducir poca boquilla y solo es recomendable para el registro medio y grave. Otra forma de hacerlo es con la garganta, como haciendo gárgaras (grrrrrr).

GLISANDO DE LABIO.-  Es un efecto parecido al Blending. Al emitir la nota se floja el labio y se disminuye la presión hasta llegar a la nota deseada que se halla normalmente a distancia de medio tono incluso un tono. (Escuchar a Fausto Papetti).

MULTIFONICOS.- Es el efecto sonoro que simula un acorde. Está  integrado por varios sonidos producidos al mismo tiempo a partir de otro. Se consigue con la combinación de determinadas digitaciones. (Tabla de posiciones: Daniel Kientzy, Jean Marie Lendoix).

Queridos amigos:  Espero haber podido contribuir con estas pinceladas teóricas, sobre los efectos sonoros especiales del saxofón, a incrementar vuestros conocimientos  sobre este maravilloso instrumento y sobretodo, quiero recordaros dos cosas: Una. “La imitación es más importante que la teoría” y Dos.“Cada maestrillo tiene su librillo”.
Por ello, no olvidéis escuchar a Iván Meyer y  muchos  más ejemplos. Saludos.

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Método Superior de Saxofón.

                                                Profesor.JUAREZ BAYON    


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